今天！薩克斯風手Chris Cheek發表新作【Saturday Songs】！！

90年代的紐約爵士音樂圈有三位厲害的薩克斯風手都叫Chris，最知名的一位是奪得91年Monk Competition第三名、現已雄踞當代爵士主流樂壇領導地位的Chris Potter。另兩位名氣雖有所不及，卻也都是備受圈內同儕敬重的人物。一是經常和Jim Black、Tim Berne、Dave Douglas、Skúli Sverrisson、Hilmar Jensson等前衛人物廝混的Chris Speed。另一則是風格遊走於主流和前衛之間的Chris Cheek。
三位音樂家中，Chris Cheek無疑是最低調的一位。出道二十多年來，作品僅只有四張！其他時間，Cheek大量地為人作嫁，錄了好幾十張擔任Sideman的專輯，近年更廣 受歐洲爵士音樂人的邀請赴歐錄音與演出。睽違上一張作品，2006年的【Blues Cruise】達十年之久，Cheek總算在今天推出新作品【Saturday Songs】了！

在介紹新專輯之前，先讓我這個腦粉來協助大家回顧Cheek 的過往。我個人非常喜歡Cheek情感十足的聲音，雖然主要樂器是Tenor，卻讓人感覺彷彿是吹著Alto或Soprano般清亮、醇潤的音色。他的演 奏旋律性非常強，很少耳熟能詳的"licks"。同時，他也精於演奏soprano和baritone，音色同樣迷人。97年發表的【I Wish I Knew】是他的首張作品，合作對象是最近剛造訪台灣、當時尚稚嫩的吉他大師Kurt Rosenwinkel、貝斯手Chris Higgins和當時已逐漸跟隨Brad Mehldau Trio闖出名號的鼓手Jorge Rossy。這張全是Ballad的作品非常優美，我特別喜歡他在"Skylark"的即興：

同 年的【A Girl named Joe】和吉他手Ben Monder、貝斯大師Marc Johnson、鼓手Jorge Rossy合作，同輩薩克斯風手Mark Turner feature了幾首。有的曲目帶有髒髒的earthy感，有的和薩克斯風手Mark Turner對奏非常漂亮的兩聲部旋律，有的則像Ornette Coleman般那樣質樸而自由的曲風，展現他民謠、草根性甚至前衛的一面。最棒的【Vine】發表於1999年，超有意境的曲目"Granada"被 Brad Mehldau拿去詮釋，成為Cheek最為人所知的曲子（雖然我個人喜愛原版遠勝於Mehldau版）。而"Ice Fall"中，Kurt Rosenwinkel以明亮的吉他四度音程轉位伴奏的樂句、主題五聲音階的旋律也是經典。"Vine"全以三和弦連接，有非常優美的民謠感。"The Wing Key"的旋律線複雜卻不失旋律性，在不知不覺間由Groovy的6/4拍變換到優雅的3/4拍再切換回去。"Not a Samba"以soprano和Brad Mehldau二重奏，兩人的idea不停交換，不需炫技也一樣讓人著迷。

06 年的【Blues Cruise】中，節奏組正是當時的Brad Mehldau Trio。不論帶有些許calypso風味的"Flamingo"和tango風味的"Coo"都是毫不複雜，卻非常吸引人的作品。無庸置疑為了那位 John Denver而寫的"John Denver"，讓人想起Pat Metheny的【80/81】。

當然，他擔任sideman的作品也非常豐富而精采。和鼓手大師Paul Motian的Electric Bebop Band合作的五張專輯中，我最喜歡的是【Garden of Eden】 和【Reincarnation of a Lovebird】。和同輩薩克斯風手、奪得01年Monk大賽冠軍的Seamus Blake則有The Bloomdaddies這個帶有強烈搖滾風格的實驗性樂團的三張作品，以及在Criss-cross廠牌下打出"Twin Tenor"的兩張合作（其中一張是今年五月剛發行）。Rudder也是Cheek所參與，帶電子、嘻哈、搖滾等元素的另一個精彩樂團（Henry Hey、Tim Lefebvre、Keith Carlock），可以聽到Cheek採用電子效果的難得表現，非常值得一聽。

和 阿根廷編作曲名家兼鋼琴手Guillermo Klein、鐵琴手Tom Beckham也有多張專輯的合作。和手風琴演奏家Victor Prieto的二重奏【RolloCoaster】做了許多Tango、Choro、Samba風格的作品，除了重新詮釋Cheek在【Blues Cruise】的"Coo"外，也有最近我剛從咻樂風吉他手彭書禹那學到、不太容易演奏的choro作品"Bebe"。他也受到近年積極找尋美國爵士音樂 家（Kurt Rosenwinkel、Mark Turner、Maria Schneider）合作的葡萄牙大樂團Orquestra Jazz de Matosinhos（OJM）之邀，發表了專輯【Orquestra Jazz de Matosinhos invites Chris Cheek】，精彩異常！

而 所有他當sideman的專輯中，我最喜歡的是捷克貝斯手Jaromír Honzák的【Little Things】！Cheek不論在"Song for Albert"的恬美旋律、"The Cue"的強烈律動、"Friendly Space"的自由詮釋都可圈可點。而"Clear"是我最喜歡的一首作品，也因此嘗試以類似的風格寫我自己的曲子。

新 專輯【Saturday Songs】是由吉他手Steve Cardenas、pedal steel吉他手（鄉村音樂常用）David Soler、貝斯手Jaume Llombard和鼓手老友Jorge Rossy為陣容，雖然維持Cheek一貫混和優雅、質樸、自由等不同風格的曲目，但是和先前的作品絕對相當不同（顯示為腦粉已經入手聆聽）！還沒認識 Cheek的朋友，從這張專輯入門也是OK的！

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6/19 Kurt Rosenwinkel演奏會先修班

爵士吉他在融合爵士的問世後，一飛衝天成為足以與管樂抗衡的樂器（finally）。60年代末的Larry Coryell和John McLaughlin分別在Gary Burton和Miles Davis旗下嶄露頭角，是融合爵士吉他的先驅。緊接著，70年代到80年代間，Pat Metheny、John Scofield和Bill Frisell成為最具影響力的Big Three（註1），特別是Metheny所建立的樂句和演奏技巧，其陰影絕對足以籠罩幾乎所有的現代爵士吉他手。而到了90年代，引領爵士吉他走向的吉 他手大致有Kurt Rosenwinkel、Ben Monder、Adam Rogers這幾位。其中，Kurt絕對是繼Metheny後，扭轉爵士吉他聲響的第一人。

Kurt為爵士吉他帶來的變化可以從幾個方向討論。
音色： 他特別喜歡用delay效果器製造空間感，這和Metheny、Scofield以及John Ambercrombie以降偏愛的chorus效果器截然不同（註2）。Frisell實際上是大量使用delay效果的第一人，但是在Kurt採用以 後，才蔚為當代爵士吉他的主流。聽聽Mike Moreno、Jonathan Kreisberg、Lage Lund這些後起之秀，除了程度多寡外，哪個沒有使用delay？另一方面，以假音唱手上彈的旋律當然是他的註冊商標，聽起來非常有八度和聲效果器的感 覺。不過據說後來很多人想模仿他但是唱得不準，真不知道這樣的影響是好是壞….。
此外，自Pat Metheny、John Scofield以來，legato的演奏方式已經成為爵士吉他的主流，Kurt也不例外。
樂句： 他的樂句在早期經常使用四度音程及轉位（Chris Cheek專輯【Vine】的“Ice Fall”）、Triad pairs（【Intuit】的“How Deep is the Ocean”）或是開始嘗試將聲音解決到tension上（Chris Cheek專輯【I Wish I Knew】的“Skylark”）等，不過我個人認為上述這些錄音不少都算是他的過渡時期（都是00年以前的錄音），常有over-use的情形。

00 年以後，他開始建立出自己的一套語彙，喜愛採用harmonic minor/melodic minor、Harmonic major聲響（【The Next Step】的“Minor Blues”、“A Life Unfolds”）、從根音、五音、九音再往上疊的大跨音程樂句（【The Next Step】的“Zhivago”）（註3）、多聲部的移動技巧等，變得非常有音樂性。甚至有時候由於他的樂句流動性很強，即便不是完全契合底下的和聲，聽 起來也是「對的」。奇數的note grouping也是常見的運用，在“Minor Blues”裡快速上行的樂句可以聽得見5的grouping。當然前面所說的招數也會一併融合進來，例如我很喜歡他在【The Next Step】的“A Shifting Design”中用的四度轉位上行樂句，非常刺激。而“Zhivago”則是使用四度轉位下行樂句搭配音符的grouping凸顯張力。

Kurt也很喜歡玩triad的各種連結，聽聽他在【The Remedy: Live at the Village Vanguard】的“A Life Unfolds”前奏玩open triad的各種轉位、四度進行和轉調還蠻有趣的。
這 些演奏方式都或多或少地見於當代爵士吉他手身上，某些特質則被這些後起之秀玩到另一個境界。例如大跨音程的樂句被Jonathan Kreisberg發展到一個極致，多聲部的移動被Gilad Hekselman玩到另一個極限，聽起來非常“out”的和聲則常常見於Lage Lund的彈奏。

伴奏：他的伴奏可能和他也非常擅長鋼琴有關（聽聽【The Next Step】的同名曲“The Next Step”中的鋼琴…），可以在最上聲部有很平順的leading line，也有一些很percussive的彈法。特別是他沒有鋼琴的狀況下幫自己伴奏時，非常能填補空間（【East Coast Love Affair】的 “All or Nothing at All”、“Zhivago”）。這樣的彈奏使得吉他手更能夠立足在樂團中，使得現在許多管樂手得以「棄鋼琴從吉他」。感謝Kurt讓更多吉他手有飯吃！

作曲： 作曲上，Kurt有些受到傳統影響，卻用新穎的方式呈現的曲目，例如【The Enemies of Energy】中的“Cubism”實質上是在玩Coltrane Changes，卻用各種代理、轉位和弦取代。或是【East Coast Love Affair】的“East Coast Love Affair”也玩了許多大三度minor和弦的連接。【The Remedy: Live at the Village Vanguard】的“Flute”在即興雖然以E pedal貫穿全曲，上面的聲部卻也玩了一些大三度的合聲行進。

Kurt 也很擅長運用一個聲部（通常是最高音）當作pivot point變換下面的和聲，例如“Zhivago”就大量運用這樣的技巧，或是“East Coast Love Affair”半音上行的片段。此外，Kurt也喜歡結合上面的技巧，用旋律線的leading tone為出發點連結底下沒有明顯關聯的和弦。例如“Zhivago”幾乎是五聲音階下行的樂句，配上順降卻彼此間沒有明顯關聯的和弦後變成完全不一樣的 聲音。“A Shifting Design”也是藉由旋律聲部的移動以及部分同音反覆的片段來銜接和聲。

其他像是不規則的和聲節奏、曲式設計也很多。不過雖然當代爵士樂非常多人玩奇數拍，Kurt倒是很少玩就是。
在音樂生涯中，Kurt在地位上的建立絕對是離不開Mark Turner的。他和Mark Turner合作的專輯包括他自己的【The Enemies of Energy】、【The Next Step】、【Heartcore】、【The Remedy: Live at the Village Vanguard】，以及Mark Turner的【Yam Yam】、【Dharma Days】、【Dharma Days】、【Ballad Sessions】和【In This World】。除了這個經典組合，他和鼓手Jim Black、薩克斯風手Andrew D’Angelo、Chris Speed共組的「Human Feel」也是很棒的自由即興樂團。
09年的【Reflections】發 表之前的一段時間是他回歸三重奏編制的開始。在這個編制中，他偏好演奏standard而非自己的創作。據說因為他覺得自己的作品都需要有一個專職顧和聲 的人（例如和薩克斯風的四重奏中的自己，或是有鋼琴）。但是他非常鋼琴手思維的演奏方式讓這些standard有了非常不一樣的聲音，用許多豐富的和聲串 起旋律線。聽聽他在第一首“Reflections”中的表現，完全就是一個鋼琴手來演奏的感覺。雖然此輯多是中慢板的曲目，但是現場他也經常演奏 “Inner Urge”、快速的“Along Came Betty”、“Milestone”、“Nica’s Dream”等熱血沸騰的曲子。而Youtube搜尋一下應該也可以找到很多他在這些曲目中安排的精采前奏。

關於Kurt還有很多可以寫的，今天就到這吧。一起來期待星期日的音樂會！
（註1）當然還有70年代的Allan Holdsworth、80年代的Mike Stern等，但是影響力遠遠不及三巨頭。
（註2）Pat Metheny其實是用delay的效果將乾溼訊號疊加弄出類似chorus的聲音。
（註3）其實根音、五音、九音這樣五度上疊的大跨音程樂句並非Kurt首創，Jim Hall在專輯【Trio Live】的“The Way You Look Tonight”的前奏就是個明顯的例子。

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爵士編作曲家/法國號/長笛手Gunther Schuller辭世

繼日前的自由爵士薩克斯風大師Ornette Coleman後，爵士音樂圈再損失一位巨人。創造「Third Stream」一詞的爵士編作曲家/法國號/長笛手Gunther Schuller以89歲高齡在昨日辭世。

Schuller 本身是古典交響樂團的音樂家，但是一直對當時發展中的爵士樂深感興趣。在認識了後來成為Modern Jazz Quartet當家編作曲者的鋼琴家John Lewis後，他透過Lewis結識許多當時爵士樂的先鋒人物，並參與了他的首張爵士錄音，同時也是張歷史級的重要錄音：小號大師Miles Davis奠定Cool Jazz派別名稱的經典之作《The Birth of the Cool》。據他所稱，專輯裡的"Moon Dreams"這首曲子編曲非常艱澀，在大家錄音許久始終合不起來的情形下，他自願跳出來邊演奏邊指揮，才完成了這個錄音。雖然未參與這張專輯的實際編作 曲，但Schuller卻也是讓成品得以問世的一個重要角色。

有 感於古典和爵士的不同魅力，他開始致力於將古典樂的豐富編作曲技巧與爵士樂的即興元素融合，並認為美國的兩大主流音樂（應該是指在當時...）：古典樂和 爵士樂分別是First Stream和Second Stream，因此相結合的成果就稱為Third Stream。和前述的鋼琴家John Lewis有相同的見解，他們共同成立了Jazz & Classical Music Society的組織，努力推廣這種音樂類型。

Schuller 對於Third Stream沒有極度明確的定義，僅列過一個「What Third Stream is not」的負向定義清單（註1）。而即便Darius Milhaud、Aaron Copland等古典音樂家曾運用過「爵士元素」在作曲中，Schuller亦批評其作品低估了「即興」這項爵士樂的特色，認為他們的作品完全不屬於 Third Stream的範疇。Schuller本人則秉持著他對古典和爵士樂的深厚理解，錄製了”Transformation”、”Concertino” “The Visitation”、”Variants on a Theme of Thelonious Monk”等作品。
甚 至，Schuller和剛辭世的Ornette Coleman的關係亦是匪淺。Schuller曾編寫一張專輯，是標題與內容相當不符，幾乎沒有John Lewis參與的專輯《John Lewis Presents Jazz Abstractions》（註2）。其中第一首作品"Abstractions"以12音列技法寫成，並邀請Coleman即興演出，是非常棒的一個合 作。然而後來這首曲子據稱有另一個版本是和Eric Dolphy共同詮釋，Schuller表示這首作品在研究過12音列的Dolphy手中確實較接近他自己心裡的聲音。

雖 然一開始因為大多數爵士音樂家對古典了解不深，古典音樂家也無法體會爵士的律動，合作上並不順利，甚至被樂評看衰認為兩種類型的音樂並無法結合，但隨著愈 來愈多「會說兩種語言」的音樂家出現，Third Stream的概念逐漸發酵。在Schuller與其他類似理念的音樂家如George Russell、Charles Mingus、Gil Evans等的努力下，Third Stream已經變成爵士樂根深蒂固的一部份。後續的許多專輯如Miles Davis/Gil Evans合作的系列作《Sketches of Spain》、《Porgy & Bess》、《Miles Ahead》、Stan Getz的《Focus》甚至到近代些Michael Brecker的《Wide Angle》、John Scofield的《Scorched》、Chris Potter的《Song for Anyone》、Esperanza Spalding的《Chamber Music Society》（註3），都是極具代表性的Third Stream專輯。有興趣的朋友可以聽聽這些專輯中非常複雜細膩的編曲手法，以及音樂家們在即興上的精采表現，徹底展現Schuller的Third Stream精神 。

 

 

感謝Schuller對爵士樂的貢獻。R.I.P.。

（註1）：根據Shuller的說法，此清單為：
It is not jazz with strings.
It is not jazz played on 'classical' instruments.
It is not classical music played by jazz players.
It is not inserting a bit of Ravel or Schoenberg between be-bop changes—nor the reverse.
It is not jazz in fugal form.
It is not a fugue played by jazz players.
It is not designed to do away with jazz or classical music; it is just another option amongst many for today’s creative musicians.
（註2）：裡面只有一首曲子是Lewis所作的"Django"，Lewis本人則沒有演出任何曲子
（註 3）：Michael Brecker的《Wide Angle》和Esperanza Spalding的《Chamber Music Society》都是由非常厲害的編作曲家/鋼琴家/手風琴家Gil Goldstein進行編曲（他今年剛隨Bobby McFerrin訪台）；John Scofield的《Scorched》是由英國的編作曲家Mark-Anthony Turnage所編曲；而Chris Potter的《Song for Anyone》則是由他本人包辦編寫曲（Potter：怎樣我就是甚麼都會啊，咬我啊？）。
參考資料：
1.  更多關於Third Stream：http://www.eichlernetwork.com/article/mid-century-breakthrough-third-stream-music
2.  鋼琴家Ethan Iverson對Gunther Schuller進行的訪談：http://dothemath.typepad.com/dtm/interview-with-gunther-schuller-1.html
3. Michael Brecker的Wide Angles現場：

4. Esperanza Spalding Chamber Music Society現場：

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小號大師Kenny Wheeler辭世

自70年代開始活躍於爵士樂壇迄今的加拿大籍小號大師Kenny Wheeler，因為年紀的關係身體過於衰弱，終於在昨日辭世，享年84歲。
雖 然是加拿大人，但是Wheeler大部份的生涯在英國渡過。70年代起他和德國爵士大廠ECM展開長達20年的合作，許多精采的作品都出自於此。 Wheeler的音色較為古典，即興喜歡集中於高音域。他的演奏不受曲式的束縛，樂句顯得相當流動而懸浮在節奏組上。作曲上，他總是可以在困難的和聲上寫 出優美的旋律。他也喜歡用pedal point、polychord、轉位等手法在創作中，以取代原本應為功能和聲的和弦行進（例如喜歡用Dm7/G->Ebmaj7、Bmaj7#5 /G->Abm7等手法），或是在應該要解決的地方放一個聲音依然懸浮的和聲。《Heyoke》、《Everybody's Song but My Own》都是善用這些手法的例子。

雖 然成名作是和鋼琴家Keith Jarrett合作的《Gnu High》，但是和Wheeler搭檔最久的鋼琴家是英國鋼琴名家John Taylor，而最常合作的貝斯手則是貝斯大師Dave Holland。和這兩位大師的合作中，我非常喜歡《All the More》、《Flutter By, Butterfly》、《The Widow in the Window》 與《What Now?》這幾張作品。《All the More》裡的曲子《Mark Time》John Taylor彈了一個非常精采的前奏，節奏非常的飄浮自然。《What Now?》這張沒有鼓手的專輯裡，Dave Holland的貝斯則撐起所有節奏組的責任，讓曲子的律動依然強烈，再搭配起薩克斯風手Chris Potter和Wheeler截然不同的即興方式，實在是一張經典之作。當然也不能錯過Wheeler和吉他手Bill Frisell、薩克斯風手Lee Konitz以及Dave Holland合作的《Angel Song》，空間感、旋律性都美到讓人想一聽再聽。而Wheeler一些大編制或是搭配銅管組合（沒有貝斯與鼓）的專輯如《The Long Waiting》及《A Long Time Ago 》，也凸顯Wheeler的編曲能力，相當值得聆賞。

感謝Kenny Wheeler的音樂。R.I.P.。
（註）有興趣的朋友可以看看網路上的一篇Kenny Wheeler作曲分析 。

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Next Big Drummer：Obed Calvaire

一般來說，一個鼓手是不是當紅炸子雞，端看他攻陷了多少主流音樂家 專輯的樂手名單。
50 年的Hardbop黃金年代，最火熱的鼓手莫過於Philly Joe Jones。Philly在這個年代的Blue Note、Riverside等知名廠牌的錄音中，和貝斯手Paul Chambers並稱節奏雙雄，霸佔許多專輯的節奏組名單。60年代則是Elvin Jones和Tony Williams的年代，創新的打法各成一家之言，也是求新求變的音樂家極力邀請的對象。
轉眼間來到現代。90年 代中期到05年左右的時間，Brian Blade、Bill Stewart、Jeff Ballard、Antonio Sanchez、Rodney Green、Billy Drummond等是你隨手拿一張錄音都會看到的名字。其中，Brian Blade合作對象從歷史級人物Wayne Shorter、Herbie Hancock、Michael Brecker到中生代的重要人物Joshua Redman、David Binney、Chris Potter等，同時也是知名的八人樂團SF Jazz Collective的第一任鼓手，是這批鼓手中名聲最盛的一位。而他自己的樂團Fellowship Band同樣出產許多精采的錄音。可惜的是近年Blade忙著改彈吉他，漸漸淡出最紅鼓手的競爭行列。而其他上述提到的幾位鼓手，至今依舊活躍於音樂圈， 特別是Stewart和Green經常在Criss Cross廠牌和許多年輕的音樂家合作，是屬於Criss Cross House Band的一份子。
自05年左右，Eric Harland、Kendrick Scott、Marcus Gilmore、Adam Cruz等名字開始佔據版面。Eric Harland算是這一輩鼓手中的領頭羊，除了和歷史級人物Dave Holland、McCoy Tyner、Charles Lloyd合作外，也繼承了Blade的位子，成為Redman、Potter的新寵。更重要的，他在05年成為SF Jazz Collective的第二任鼓手，也順便從Blade手中接下 「京門第一」的棒子。近年他領頭的Voyage Band雖然不若Brian Blade Fellowship的音樂有趣，但其成員也是一時之選，所發行的現場錄音相當的震撼火熱。到現在他的地位仍然可稱爵士樂壇的Top 1，影響力持續地發酵。
Justin Brown、Colin Stranahan、Dan Weiss、Nasheet Waits等鼓手是近年來勢洶洶的新一輩，開始在爵士音樂圈攻城略地。然而來自邁阿密，父母是海地人的 Obed Calvaire是現在最值得注意的一位鼓手新秀。他在Harland離開SF Jazz Collective後脫穎而出，正式成為第三任鼓手。並且，他同樣有歷史級人物Monty Alexander和David Liebman的背書認證，也終於在今年David Binney的新作品Anacapa挑起大任，有望成為主流鼓手的正式接班人。而今年迄今參與其他和鋼琴家Helen Sung與小提琴家Zach Brock的兩張錄音也都有不俗的表現。雖然資歷還遠不若Blade及Harland的亮眼，但是這些正在發生的邀約，想必會讓他迅速地成長。在此推薦幾 張他參與的錄音，讓大家來評估看看他的實力囉：
2009 - Linda Oh: Entry
2012 - Yosvany Terry: Today's Opinion
2013 - SFJAZZ Collective: Live SFJAZZ Center 2013, The Music of Chick Corea & New Compositions
2014 - Zach Brock: Purple Sounds
2014 - Helen Sung: Anthem for a New Day
2014 - David Binney: Anacapa
*下面的影片是Obed參與SF Jazz Collective的現場錄影和小訪談，供大家參考

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淺談爵士吉他（5）

爵士樂史上兼具有無人能及的搖滾爆發力和能量，又可演奏出旋律優美的acoustic guitar的吉他手，非John McLaughlin莫屬。生長於英國的McLaughlin受到當時的明星搖滾吉他手Jimi Hendrix的狂野式solo及Blues rock大量的影響，在演奏了幾年的R&B、流行搖滾後，於1969年錄製了第一張專輯Extrapolation。Sax手John Suman較扁平的音色在McLaughlin的創作中卻是異常的契合，同名曲Extrapolation就在bass手Brian Odges的vamp下展開，並在曲式的中間轉為極快速的double time，但Suman及McLaughlin超人一等的技巧卻毫不費力的演奏。而和聲的使用及安排已經略有日後McLaughlin的名團Mahavishnu Orchestra的影子在，與爵士樂傳統的和聲大不相同。This is for us to share的互動與鋪陳令人想起Miles Davis五重奏的Nefertiti的Rhythm section的鋪陳。而這張專輯雖然賣相不佳，但卻在同國的bass好手Dave Holland的引薦下，讓Miles Davis及Tony Williams聽到，進而邀請他前去美國。Miles邀請他"Jam"了一些曲子，在之後成為In A Silent Way、Bitches Brew等專輯的錄音。然而雖然Miles十分賞識他，他卻不願意在Miles手下多待，而選擇與Tony Williams及Organ手Larry Young進行實驗性的Jazz-rock團Lifetime，雖然Williams早在與Miles合作時就把一些rock的打法帶進去（hihat聲音相當明顯...），但是在此Williams才真正「得到解放」，Larry Young也充份展現他除了modern jazz的聲響外（請聽他的Unity專輯），對rock、funk等音樂的吸收。可惜此團不出幾張專輯便解散。My Goals Beyond則是在McLaughlin早期生涯中難得一見的acoustic作品，第一首曲子為bass手Charles Mingus的名曲Goodbye Pork Pie Hat，在McLaughlin空心吉他的編曲下十分好聽。而其中McLaughlin自己所寫的Follow Your Heart更是成為經典名曲。

早年的McLaughlin大部份是以狂熱的破音電吉他演奏，唯獨My Goals Beyond例外。

之後McLaughlin找到了他一向喜愛的編制小提琴手Jerry Goodman、由捷克籍bass手朋友Miroslav Vitous介紹來的鍵盤手Jam Hammer、同為英國人的bass手Rick Laird及火力十足、聲音略有塑膠味的鼓手Billy Bobham，組成了爵士樂史上最有爆發力、音量極大的爵士搖滾團體Mahavishnu Orchestra。團名當然與McLaughlin一向有興趣的宗教有關。Mahavishnu Orchestra樂團包含了大量的複雜拍子、不和諧的和弦行進、快速的合奏主題、強力的鼓聲為根基及即興與互動，替融合爵士樂樹立了一個非常高的標準，更影響了後來的Chick Corea Elektric Band、Brecker Brothers等等著名的融合爵士樂團。Billy Cobham在繁複的拍子中仍然打出豐富的層次感推動著音樂前進，相當的了不起，而Jam Hammer與Jerry Goodman都是搖滾底較爵士樂深厚的樂手，Jerry Goodman時而與bass手維持著同樣的律動，時而與McLaughlin一同合奏複雜的主題，Jam Hammer的Fender rhoads亦是十分豐富。McLaughlin師法Jimi Hendrix的爆發式樂句亦較其在Lifetime時期更加猛烈。1971年的首張專輯The Inner Mounting Flame開頭的The Meeting of Spirits就明顯聽出上述特徵。而第二張的Bird Of Fire專輯同名曲Bird Of Fire先由東方味濃厚的鈸聲（還是鑼？）開場，18/8拍的曲子就此展開。這也正好是Billy Cobham這位鼓手喜歡嘗試許多不同音色的鈸的證明之一。以五個音為一組的主題帶來了切分的感覺，隨即以同樣的vamp為背景展開即興。這首曲子可說是標準的Mahavishnu sound。雖然Mahavishnu以高分貝的狂熱演奏為主，卻也在兩張專輯中分別有A Lotus On Irish Streams及Thousand Island Park兩首以acoustic為主軸的優美作品，是十分特別的地方。可惜在此張專輯過後，五位樂手便因故不合而解散，第一代Mahavishnu Orchestra狂野的聲音亦成絕響。

第一代Mahavishnu Orchetra。由左至右分別為Jerry Goodman、Jam Hammer、John McLaughlin、Rick Laird及Billy Bobham。

1972年McLaughlin與另一位同樣信仰的好友，亦是知名搖滾吉他手的Carlos Santana一起出了張向他們的共同音樂導師John Coltrane致敬的專輯Love Devotion Surrender。但是筆者個人不是很喜歡這張專輯，感覺太過於是「搖滾樂手演奏Coltrane曲目」而非「爵士樂手演奏Coltrane曲目」。日後（1995）McLaughlin與電風琴手Joey DeFransisco及鼓手Elvin Jones所合作的After The Rain亦是向Coltrane致敬，卻比這張有深度，有互動的多。McLaughlin在這張專輯也較多突出的表現，而不像Love Devotion Surrender一般一直開大音量猛飆快速音群，聽完後只覺得一片空虛....

兩張像Coltrane致敬的專輯及第二代Mahavishnu Orchestra。

1974年McLaughlin重組了Mahavishnu Orchestra，團員當然有所更換，找來了法國小提琴手Jean-LucPonty、鼓手Narada Michael Walden及bass手Ralphe Armstrong等人，分別以大編制跟小編制交響樂團為伴奏錄製了Apocalypse及Visions of The Emerald Beyond兩張專輯，展現了與第一代Mahavishnu Orchestra不同的聲音，且更有vocal的加入，但是仍然以類似Jimi Hendrix式的風格及一些Funk（Visions of The Emerald Beyond較多Funk元素）為基底，但是有些聲響更類似Progressive Rock。鼓手Walden的雙踏力道並不遜於Billy Cobham，Jean-Luc Ponty的小提琴有較Jerry Goodman更多的爵士語彙。

Visions of The Emerald Beyond專輯找來了弦樂重奏與管樂手營造更壯闊的氣勢。

不久這第二代的Mahavishnu Orchestra亦告解散，緊接著約有四五年的時間與印度音樂家印度樂手小提琴手Shankar、Tabla鼓Zakir Hussein及Mridangam（一種敲擊樂器）Raghavan成立了Shakti樂團，剎那間從高分貝的電吉他轉為acoustic吉他。為了仿傚印度音樂，McLaughlin特地設計了一把參考印度西塔琴而製的特別吉他，可以做出類似西塔琴的音響效果。而一些特殊的印度樂器如Tabla、Mridangam亦使爵士樂有了更不一樣的聲音，可說是世界音樂的濫觴。當然少不了的還是McLaughlin快速的指法與即興，仍可聽出他對許多五聲音階的應用。略有點不準的小提琴跟吉他聲音也是特色之一。

左圖左側為Mridangam樂手，右則可見到McLaughlin特製的吉他。Shakti，融合了大量印度音階及爵士即興的樂團。

1978年McLaughlin回歸電吉他與Mahavishnu的老班底錄製了Electric Guitarist。Chick Corea在這張專輯亦佔了重要的地位，機關槍式的彈法正好與McLaughlin針鋒相對，Do You Hear The Voices You Left Behind正好可做為證明。而這曲的和弦行進，也證明了McLaughlin對傳統爵士樂駕馭的能力 - 它正是Hardbop發展的極致Giant Steps。當然，如Are You the One? Are You the One?這樣的fusion樂曲亦是少不了，再一次的與Tony Williams合作仍是延續了Life Time的風格。

重拾電吉他的Electric Guitarist及三張Acoustic Guitar Trio專輯。

80年代McLaughlin除短暫重組Mahavishnu Orchestra外，最著名的即是與曾加入Chick Corea的Returnto Forver的Al Di Meola以及Flamenco吉他手Paco de Lucia合作的吉他三重奏。McLaughlin及Meola超快速的picking當然是不用說了，雖然Paco de Lucia並未即興而演奏寫好的部份，但是他的手指輪指技巧卻相當可怕，可與其他二位的picking不相上下。而以超人的技巧演奏空心吉他正是McLaughlin自Shatkti以來的拿手好戲。三人共合作了The Guitar Tro、Friday Night in San Francisco及Passion Grace & Fire三張精采的專輯。

與了不起的打擊樂手Trilok Gurtu於80年代末開始持續合作，並再次探尋印度音樂的可能性。The Promise則以funk/rock等風格為主體，卻也不乏空心吉他的演奏。

90年代McLaughlin除與bass手Kai Eckhardt/Dominique DiPiazza及印度打擊樂手Trilok Gurtu出了數張acoustic trio為主的佳作如Que Alegria、Live At The Royal Festival Hall外，也組了RemeberShakti樂團再次展現印度音樂的風格。94年亦錄製了The Promise專輯，找來許多往日戰友一同共襄盛舉。Django與Jeff Beck共同演奏，是一首acoustic的動聽作品。El Ciego相當有Brecker Brothers Band式的衝勁與rock groove，而Michael Brecker也的確貢獻了一段令人血脈歕張的solo，兩人更在6:00左右開始精采的對飆，McLaughlin展現出極似管樂的音色、句法及張力。後面更有整個rhythm section一同的集體即興，是整張專輯的高潮之處。

2006年的新專輯，除了McLaughlin本身的演奏仍清析可辨，亦嘗試了電子音樂

而在去年錄製的Industrial Zen，更於其中幾首曲子添加了電子音樂的風味，也是十分有特色的一張專輯。看來想要這位風格廣泛，勇於嘗試不同新花樣的吉他手大師長久演奏一樣的音樂還真是不容易呢！

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淺談爵士吉他（4）

Mike Stern也許感覺上「豐功偉業」並不如Pat Metheny、John McLaughin、John Scofield那樣的多，但是在即興上的爆發力絕對不輸他們。許多接觸rock已久的吉他手亦是聽到了Mike Stern充滿搖滾式節奏及能量的即興才開始對爵士音樂有興趣並進而學習（至少我的爵士樂老師之一吉他手Fabien Degryse就是，呵呵..）。與McLaughlin及Scofield有著相同的經歷，Miles Davis亦曾在80年代的funk fusion作品Man With The Horn、Star People及We Want Miles中聘用了這位從小亦是在Blues及搖滾樂的環境中長大的吉他手。跟Scofield還有個重疊的生涯際遇就是他也曾短暫加入Billy Cobham & George DukeBand。早期的Mike大多亦為他人的sideman，最著名的即是於Jaco Pastorious的Word of Mouth Big Band中擔任吉他手。

據說Miles在看過Mike Stern現場後，站起來大喊：「I Want This Guy！」

1986年所發行的Upside Downside是他的第一張專輯。很可惜的是筆者未曾聽過，無法與大家分享聆聽的心得。但在這年之後，Mike Stern開始大量的出現在許多風格偏屬funk、Stright ahead的樂手或團體的專輯之中，如Michael Brecker的Don't Try This At Home、Bob Berg的Short Stories、大量funk節奏及繁複曲式與極須高超技巧演奏的The Brecker Brothers Band的數張專輯及著名的fusion樂團Steps Ahead（還是有Michael Brecker）在開始大量使用電子化樂器後亦找來了他，在Live in Tokyo 1986有著精采的演出。值得注意的是，許多超技的sax手如Michael Brecker、Bob Berg、BobMarlach、Jerry Bergonzi在80年代後開始喜歡與這樣語彙豐富而又充滿節奏感的吉他手合作，也許正是欣賞他能有如管樂手一般四度音程的語彙、快速的爆發力，又能發揮吉他上推弦造成的藍調與搖滾風格吧！他也如Scofield等擅長用簡單的兩三個音符，卻又利用吉他可輕易跨弦造成的和聲來comping，光是聽他的comping亦是一件可以讓solo的人感到舒服的事情。筆者聽過他擔任sideman的好專輯尚有鼓手Alex Riel的Unriel、小號手Arturo Sandoval的Swingin'及Jerry Bergonzi的Vertical Reality（與Pat Metheny、Herbie Hancock、Dave Holland、Jack DeJohnette合作的Parrell Reality應是無關，哈哈！），都相當值得一聽。
許多風格相當Straight ahead、張力強大的管樂手都愛找Mike Stern跨刀演出。
至於Stern自己的專輯，1988及89的Time in Place、Jigsaw都是幾乎funk味為主的專輯。Time in Place中的Chromazone一曲主題以大量半音構成，除了如機關槍般的主題富有挑戰性外，sax手Michael Brecker在這裡的演出亦是不同凡響。而這兩張也是Mike Stern最rock的兩張專輯。93年的Standards (And Other Songs)與99年的Play是他較難得極少用distortion效果的專輯，也是我最愛的Mike Stern專輯。Standards專輯中有速度飛快的Coltrane名曲Moment's notice及Monk的Straight no Chaser展現他超技的技巧與對bebop語彙的熟悉，也有Windows、Nardis這些在和弦安排上相當現代，聲響非常不同的modern樂曲，證明他對整個爵士樂的脈絡有著透徹的瞭解。Play專輯中他邀請了Scofield及Bill Frisell風格迥異的吉他手前來參與，專輯同名曲Play及Outta Town分別為minor blues及Have You Met Miss Jones的和弦行進，Scofield與Stern在Outta Town結尾的對飆精采萬分。Frizz雖然是僅是首blues，卻充分展現了Stern及Frisell完全不同的即興方式，Frisell的solo相較於Stern下空間多了許多，各有不同的特色而呈現強烈的對比，正是爵士樂有趣的地方。

想聽聽看Mike Stern既可搖滾放克又能彈swing的廣泛風格，非聽這四張不可。
01年的Voices及04年的These Times則因為找來了bass手兼vocal的全能型樂手Richard Bona帶來了相當大的轉變，增添許多非洲音樂節奏的新作品有著相當世界音樂的感覺，Bona的貢獻應該不小。而在06年的最新專輯Who Let The Cats Out則又較回到funk元素為主的風格，但仍是一張相當不錯的專輯。

Voices找來了黑人vocal/bassist Richard Bona找出了更不一樣的聲音，Bona亦在新專輯Who Let The Cats Out有亮眼的演出。
Mike Stern始終手持他的Telecaster改裝的吉他，強烈的節奏感及非常"亮"旋律線及和聲創造出許多的好專輯，也是筆者相當期待能看到現場演奏感染其魅力的吉他手之一。雖然本身的作品量不若Metheny及Scofield，但是其即興手法早成一派，並列為當代吉他手最常模仿的對象之一。
p.s. Mike Stern尚有兩張較Standard jazz的好專輯，分別為Give & Take及4 Generations for Miles。Give & Take裡的Oleo跟Giant Steps都是許多吉他手難以企及的精采，4 Generations for Miles則是四大名家George Coleman、Mike Stern、Ron Carter與Jimmy Cobb，分別先後與Miles Davis合作過的大師齊聚一堂向Miles致敬。

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